Une symphonie monumentale : orchestre, voix et architecture en cinq mouvements

Impressionnante par sa durée approchant l’heure et demie, cette symphonie l’est aussi par son effectif. Elle réclame en effet deux chanteuses, une soprano et une alto (ou mezzo-soprano), un chœur mixte et un orchestre gigantesque qui comprend, entre autres, des bois par quatre, dix cors et dix trompettes, quatre trombones, et un imposant ensemble de percussions (timbales, grosses caisses, cymbales, tam-tams, triangles, etc.) et un orgue.

Représentative de la pensée de Mahler, la Symphonie n° 2 suit une courbe ascendante, des ténèbres à la lumière, de l’ut mineur initial au mi bémol majeur conclusif, du tombeau à la résurrection, de la mort à la transfiguration. Elle se construit en cinq volets, les trois centraux faisant office d’intermède, dans des styles et des couleurs radicalement différents, entre les deux blocs extrêmes, d’une vingtaine de minutes pour le premier, d’une demi-heure pour le dernier. Chacun des cinq mouvements évoque les grandes étapes de la vie et questions existentielles. Pourquoi la vie ? Pourquoi la mort ?

Analyse des mouvements : du tombeau à la lumière

Les minutages de l’analyse suivante se réfèrent au concert donné le 31 janvier 2015 à la Philharmonie de Berlin par Kate Royal (soprano), Magdalena Kožená (mezzo-soprano), le Chœur de la Radio de Berlin et l’Orchestre philharmonique de Berlin sous la direction de Simon Rattle. Il semble que les cloches soient absentes de l’orchestre.

1. Allegro maestoso : la lutte intérieure

Mahler ne laisse pas l’auditeur s’installer. Il le saisit d’emblée à la gorge et ne le lâchera pas. Mit durchaus ernstem und feierlichem Ausdruck [D’un bout à l’autre avec une expression grave et solennelle] précise-t-il d’ailleurs au début de cet Allegro maestoso, ex- Todtenfeier. Ce sont les violoncelles et les contrebasses qui, fortississimo, « sauvagement » et à l’unisson, sur les tremolos des violons et altos, préparent (0′ 40) l’entrée du premier thème, en ut mineur, présenté par le hautbois, le cor anglais et la clarinette basse (1′ 38).

La marche funèbre allonge son pas et étend son empire sur une texture orchestre de plus en plus dense. Le deuxième thème, en mi majeur, énoncé par les violons et les cors, contraste par sa douceur et sa délicatesse (pianississimo). Le premier thème revient (4′ 06) avec un matériau beaucoup plus développé, puis s’efface devant une troisième idée, lugubre (5′ 27).

Après une accalmie et l’intervention des deux harpes s’ouvre le développement qui choisit de commencer par le deuxième thème, aux cordes et aux cors (6′ 39). Y répondra un bref motif, pastoral, au cor anglais (7′ 24). Mais le ciel s’obscurcit à nouveau et le premier thème gronde, à voix basse (8′ 30) puis vigoureusement (9′ 54) précipitant les événements, à coups de grosse caisse, dans une violence terrible (11′ 54).

Après une citation discrète du Dies irae par les six cors (13′ 32) puis les trompettes (14’18), la musique semble se précipiter au fond d’un gouffre et s’écraser Molto pesante (15′ 30). Ce n’était pas la fin et le premier thème revient plus conquérant que jamais, prêt à dialoguer avec les autres motifs dans un climat toujours tendu.

La coda, introduite par les harpes, les violoncelles et les contrebasses (19′ 46), sur le rythme de marche funèbre, mène à la conclusion de ce mouvement éminemment tourmenté : un dernier crescendo, un dernier élan de tout l’orchestre, une descente vertigineuse, comme en spirale, et quelques pizzicatos pianissimo des cordes pour regagner (avec résignation ?) le silence.

Mahler demande une pause de cinq minutes minimum après cette expérience déstabilisante. Mais personne ne la respecte.

2. Andante moderato : souvenirs d’une vie terrestre

Après cette confrontation avec la mort semblent défiler des souvenirs sereins de la vie terrestre. Le deuxième mouvment, marqué Sehr gemächlich [Très modéré], contraste, tout du moins dans son premier sujet, par son caractère de menuet souriant et insouciant (mesure à 3/8), presque néoclassique, en mode majeur, joué par les cordes seules (24′ 06).

La seconde idée, également présentée par les cordes, mais en mode mineur, la contredit par son allure obstinée, fût-elle pianissimo, en triolets de doubles croches (25′ 26). Tout le mouvement balancera entre ces allers-retours des deux idées, dans une forme général A B A (27′, avec un somptueux contrechant des violoncelles) B (28′ 27, agité, tout l’orchestre) A (30′ 50, effet magique des cordes en pizzicatos sur lesquels planent la flûte piccolo puis les harpes).

3. In ruhig fließender Bewegung : l’ironie du monde

S’il recommande un « mouvement tranquille et coulant » dans ce scherzo (33′ 50), Mahler y déploie pourtant une ironie grinçante, typique de son style. Deux fois deux notes des timbales, seules, comme pour attirer l’attention puis les bassons, clarinettes et percussions accueillent d’un air goguenard une mélodie ondulante et un peu grimaçante des violons aussitôt reprise par la clarinette, la clarinette aiguë, accentuant le ricanement. Un deuxième sujet, plus lyrique, un peu naïf, apparaît, exposé aux cordes. Il reviendra (37’15) dans une tournure plus parodique, de fanfare grotesque, avant la section centrale (Trio, 38′ 30).

Les deux idées principales feront leur retour dans ce mouvement où résonnent des échos de brasserie et de klezmer, parfois un peu vulgaires, représentatifs de Mahler. Ce mouvement emprunte l’essentiel de son matériau et son humour à l’un des lieder du Knaben Wunderhorn que Mahler avait orchestrés, « Des Antonius von Padua Fischpredigt » [Le sermon aux poissons de saint Antoine de Padoue]. Les poissons ont écouté avec attention mais ils reprennent leur vie comme s’ils n’avaient rien appris. Ainsi en va-t-il aussi de l’humanité…C’est aussi ce mouvement que Berio avait choisi pour sa Sinfonia.

4. Urlicht : l’appel intérieur

Le bref (cinq minutes à peine) quatrième mouvement s’enchaîne directement au scherzo (44′ 45) et fait intervenir la voix pour la première fois dans une symphonie de Mahler. Il emprunte, lui aussi, son texte au Knaben Wunderhorn, mais délivre un tout autre message. Soutenue par un choral des cuivres, « très solennel, mais sobre », la voix restitue cette Urlicht [Lumière originelle], douce comme filtrée par un vitrail, propice à l’introspection profonde et à l’appel à la rédemption. « Oh petite rose rouge ! / L’Homme gît dans la misère ! / L’Homme gît dans la douleur / J’aimerais plutôt être au Ciel. »

5. Im Tempo des Scherzo : le triomphe et la résurrection

Lui fait suite, également sans transition, le gigantesque finale, secoué de puissantes visions apocalyptiques, « dans le tempo du scherzo ». Il s’ouvre par une explosion (cri de terreur ?) de tout l’orchestre (49′ 55) comme le final de la Symphonie n° 9 de Beethoven auquel il est difficile de ne pas penser, tant par la présence des voix et du chœur que par la citation de thèmes des mouvements précédents. « La terre tremble, les tombeaux s’ouvrent, les morts se lèvent et s’approchent en cortège sans fin » indique Mahler dans l’un des programmes qui accompagnait sa symphonie.

Quatre cors installés dans les coulisses font résonner le « Grand Appel » (51′ 45) auquel répond le hautbois avant qu’apparaisse à nouveau le Dies irae (53′ 09). Retour de l’appel de cor (54′ 12) avant le deuxième sujet (55′ 25), tourmenté, voire crispé, puis le Dies irae aux cuivres (56′ 28) et, enfin, toujours aux cuivres, le thème de la résurrection (57′ 01) avec un troisième appel des cors dans un fracas de tout l’orchestre (57′ 42). Le roulement des deux timbaliers (59′ 45) ouvre le développement et donne à la musique un ton puissamment épique. Les deux thèmes et le Dies irae y seront régulièrement sollicités.

Le second thème est ainsi énoncé par le trombone (1 h 04′ 02) tandis qu’en coulisse gronde un sabbat de percussions. Un nouveau cataclysme orchestral (1 h 05′ 30) précède des extraits du thème ascendant de la Résurrection (1 h 06′ 25) et un retour de l’appel des cors en coulisse (1 h 07′ 44) prolongé par la flûte et le piccolo. Gazouillis des oiseaux ? Derniers sons de la vie sur Terre avant l’entrée du chœur qui murmure « Auferstehen » (1 h 10′ 04) bientôt rejoint par la soprano (1 h 11′ 38) ?

Le thème ascendant se déploie enfin dans son intégralité (1 h 15′ 17) avant que la mezzo-soprano (« O glaube ! ») s’empare du second thème (1 h 16′ 40). Le thème ascendant, enfin chanté par l’ensemble du chœur (1 h 20′ 39) mène vers la lumière du mi bémol majeur conclusif et une envolée absolument irrésistible que Mahler demande de soutenir « avec la plus grande force ».

On ne saurait ignorer le concert que dirigea Leonard Bernstein à la cathédrale d’Ely, dans le Cambridgeshire, en Angleterre, le 2 septembre 1973, avec Sheila Armstrong (soprano), Janet Baker (mezzo-soprano), le Chœur du festival d’Édimbourg et l’Orchestre symphonique de Londres.

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