Pour sa quarante-septième édition, le Rossini Opera Festival mise sur la prudence : Le Siège de Corinthe, seule nouvelle production, devient le test grandeur nature d’un festival qui promet de « prendre de l’élan » pour son cinquantenaire en 2029.

Il faut commencer par ce qui donne à réfléchir. Ou plutôt par ce que le Rossini Opera Festival reconnaît lui-même : la quarante-septième édition est une édition de transition. Une seule nouvelle production, Le Siège de Corinthe, encadrée par les reprises au Teatro Rossini de L’occasione fa il ladro (L’Occasion fait le larron) signé par Jean-Pierre Ponnelle en 1987 et La scala di seta (L’Échelle de soie) par Damiano Michieletto en 2009.

Après plusieurs saisons plus ambitieuses, Pesaro a choisi de lever le pied. Michele Dall’Ongaro, président du festival, parle d’« un freinage qui nous aidera à prendre de l’élan pour le cinquantenaire de 2029 ». Formule élégante, presque sportive : reste à savoir si l’on freine pour mieux repartir ou simplement parce que la route devient plus difficile.

Il faudra donc juger cette prudence sur pièce. Et la pièce, cette année, est Le Siège de Corinthe, confié à Davide Livermore. L’œuvre elle-même n’est pas exactement un choix de facilité. Créée à Paris en 1826, elle est la métamorphose française du Maometto II napolitain : Rossini ne traduit pas son opéra, il le repense pour la scène parisienne, élargissant les chœurs et l’orchestre, ajoutant le ballet obligatoire et transformant le dramma per musica en tragédie lyrique. Le siège de Negroponte devient celui de Corinthe, sur fond du philhellénisme européen déclenché par la lutte de libération du peuple grec contre l’Empire ottoman et de la fascination pour une Grèce héroïque et martyre.

Une Grèce sous cellophane

Livermore ne cherche pas à ressusciter cette Grèce : il commence par la mettre en vitrine. Dans l’auditorium Scavolini, la scène conçue avec Eleonora Peronetti et Paolo Gep Cucco déploie une Antiquité idéale, faite de marbre, de statues, de palais et d’images numériques élaborées par D-Wok de monuments classiques d’un blanc immaculé et de mers d’un bleu irréel. On pense à la peinture préraphaélite, au péplum, à une Grèce de rêve fabriquée par l’imaginaire occidental.

Mais quelque chose cloche dès le départ. Les statues sont emballées, les architectures protégées par du plastique, les espaces envahis par les échafaudages. Puis la pollution apparaît, les déchets s’accumulent, le marbre se dégrade, les palais s’effondrent. À mesure que Corinthe est assiégée, c’est aussi notre idée de la civilisation qui semble partir en morceaux. Les vidéos de D-Wok transforment progressivement le décor en paysage post-apocalyptique.

« Qui assiège qui ? » demande Livermore. La question est séduisante. Elle permet de faire du siège de Corinthe une métaphore de notre présent : culture, humanisme et patrimoine seraient désormais eux-mêmes assiégés. Le théâtre, naturellement, se retrouve du côté des assiégés, ultime refuge d’une civilisation menacée.

Le problème est que cette lecture ne va guère plus loin que ses images. Le plastique est parlant, le marbre brisé aussi ; le discours politique, lui, reste assez vague. On comprend très vite ce que la mise en scène veut dire, et elle ne semble pas vouloir nous le faire oublier. Même principe avec les costumes de Gianluca Falaschi : les Grecs portent des tuniques classiques, tandis que les Ottomans sont vêtus comme nos contemporains, élégants et parfaitement urbains. « Les Turcs, c’est nous », et nous sommes prédestinés à détruire la beauté : l’idée est lisible en une seconde. Elle aurait peut-être mérité quelques secondes de plus.

Rossini fait le spectacle

Heureusement, Livermore sait aussi faire confiance à Rossini. Et Le Siège de Corinthe est une œuvre qui récompense généreusement cette confiance. Les grands tableaux chorals, les mouvements de foule, les affrontements et surtout les deux fins d’acte offrent à la mise en scène un matériau théâtral considérable.

L’entrée des troupes de Mahomet dans Corinthe possède une puissance presque cinématographique ; le dernier acte, avec l’anéantissement de la résistance grecque, pousse le spectacle jusqu’à l’apocalypse. Au milieu de cette catastrophe, Pamyra devient le point de convergence du drame : aimée par Néoclès, convoitée par Mahomet, déchirée entre amour et fidélité à sa patrie, elle choisit finalement la mort. Son suicide, au pied de l’Acropole, dans un paysage de sang et de ruines, est traité par Livermore comme l’ultime image d’un monde qui disparaît.

C’est parfois lourdement souligné, mais difficilement spectaculaire au sens mauvais du terme. Le metteur en scène a compris que cette partition n’avait pas besoin d’être réduite à une lecture conceptuelle. Elle réclame de l’espace, des masses, des contrastes, une certaine démesure. Sur ce terrain, Livermore est chez lui.

Un Rossini qui respire

La réussite musicale est heureusement à la hauteur de cette ambition. Le ROF présente l’ouvrage sans coupures, dans l’édition critique de la Fondazione Rossini établie sous la direction éditoriale de Damien Colas Gallet. Carlo Rizzi dirige l’Orchestre du Teatro Comunale de Bologne avec des tempos nerveux et une sonorité pleine, sans jamais sacrifier les chanteurs à l’effet orchestral.

Car Le Siège de Corinthe révèle précisément combien Rossini, pour Paris, avait élargi son langage. L’orchestre ne se contente plus d’accompagner les voix : il participe à la dramaturgie, construit les climats et donne aux scènes collectives une véritable ampleur symphonique. Rizzi en restitue la densité avec précision, tout en maintenant une souplesse suffisante pour laisser respirer les lignes vocales.

La distribution est solide. Vasilisa Berzhanskaya investit Pamyra avec tempérament et une présence scénique indiscutable. Son passage du mezzo au soprano laisse toutefois entendre une voix encore partagée entre deux identités : certaines hauteurs et certaines couleurs ne trouvent pas toujours une place parfaitement naturelle. Adrian Sâmpetrean impose à Mahomet une belle autorité vocale, même si le personnage demeure assez monolithique.

Maxim Mironov comme Néoclès est le plus convaincant de la soirée. La ligne est élégante, l’aigu sûr, le style parfaitement maîtrisé : voilà un chanteur qui connaît Rossini de longue date et cela s’entend. Matteo Roma assume avec assurance le lourd Cléomène, tandis que Giuseppe De Luca donne à Omar une présence savoureuse. Anna-Doris Capitelli marque efficacement sa brève intervention. Simón Orfila et Tianxuefei Sun complètent sans faiblesse l’ensemble.

Et puis il y a le chœur du Teatro Ventidio Basso, préparé par Pasquale Veleno. Précis, puissant, remarquablement articulé, il porte une grande partie de la dramaturgie de l’ouvrage. Dans Le Siège de Corinthe, le peuple n’est pas un décor : il est le drame.